Entre ellos, Isabella Colbrán, Fanny Mendelssohn-Hensel, Johanna Kinkel, Clara Schumann, Pauline Viardot, Cecile Chaminate, Amy Cheney Beach, Puldowski, Florence Prince, así como dos composiciones contemporáneas domésticas de Deria Derin Derin y Aysim Ildiz.
En primer lugar, antes de pasar al preludio de Isabella Colbrán, que fue realizado por Birgül Su Ariç, » La Sper Cor Mi Dice », creo que aliviará nuestra ansiedad intelectual en un poco.
Los factores que preparan la producción de la ópera en la etapa de la historia, indican el hecho de que el escritor de música y crítico, el autor del pianista Fazıl dice (el padre del pianista Fazıl dice), en su trabajo, de una manera integral y satisfactoria;
Opera ha aumentado sobre los cimientos de dos ramas del arte. Teatro y música. Sin embargo, la ópera no es la superposición o el pegado de estas dos ramas del arte. El teatro y la música están fusionados; La literatura es una composición artística que da potencia, especialmente por poesía y artes plásticas. La palabra en el arte teatral no impide el flujo de música en la ópera; Del mismo modo, la música no eclipsa la importancia de la palabra. Estos dos han desarrollado un nuevo arte, ópera que fortalece la narrativa del otro.
Curt Sachs (diciendo) social y cultural a fines del siglo XVI describe lo social y cultural de la siguiente manera: «El establecimiento de la Academia de Poesía y Música en París, el clasicismo del pintor Angelo Bronzino en Florencia y el sobreviviente de Jerusalem Torquato Tasso, especialmente en la arquitectura italiana y francesa, especialmente en las obras de las obras de las obras de las obras de las obras de las obras de Palladio. Ahmet, Historia de la música, PM.183-184)
Durante la era del Renacimiento, que se ejecutó en los picos del humanismo y el humanismo con el humanismo, los músicos comenzaron a lidiar con la literatura y se encargaron de los dramas griegos como resultado de la música expresaron las primeras frutas. Jacopo Peri y Giulio Caccini, la Escuela de Florencia, escribieron Dafne en 1594 y se convirtieron en los primeros operadores. Aunque la ópera ocurrió en Florencia, es la escuela de Venecia la que la coloca en un área sistemática. El representante más importante de esta escuela y Monteverdi, que trajeron nuevas formas en el desarrollo artístico y técnico de la ópera, abriría la puerta de la transición a la era barroca en el arte renacentista. L’Orfeo de Monteverdi reunió los elementos básicos de la ópera, como ‘recitativo’, ‘arya’, ‘coro’ y ‘orquesta’, y el nacimiento de una nueva forma de arte. Esencialmente, esto se debió a la necesidad de una forma monódica escrita para la voz humana contra el sistema polifónico, que se ha lanzado desde el Renacimiento.
Por otro lado, como la escuela alemana, Dafne de Henrich Schütz en 1627, J.Baptiste Lully en Francia y el período Barroque de Henry Purcel en Inglaterra. Fue nombrado director de la Academia de Música Kingdom, que se estableció para representar a las óperas italianas en Londres, y tal vez el nombre de la cumbre del período barroco en la música, G.friedrick Handel; ‘Rinaldo’, Flavio, Juli César, Orlando y Alcina, aunque fue sometido a duras críticas, pero la ópera había dado mucho honor.
Un tiempo muy, muy corto después de Handel no tenía los ojos en la vida, fue escuchado en la música clásica en Alemania. Christop Willbald Gluck abrió una nueva era destruyendo los moldes de la forma de ópera existente en ese momento con ORFEO y Eurlex. El lado reformista de Gluck era definitivamente frente a la música del palacio decorativa compleja, formalista y decorativa de Barroque. Sus particiones fueron el producto de un pensamiento equilibrado, simple y puro que abrió la puerta al período clásico. El método de ‘recitativo strodamentato’, que usa para dramatizar la historia más realista y más efectivamente por las emociones de los personajes, fue una nueva reunión en la ópera. Por lo tanto, la Unión de Teatro y Música se proporcionó en gran medida en la ópera.
En la segunda mitad del siglo XVIII, el mundo quedó embarazada de una evolución política y económica muy diferente. La Revolución Francesa en 1789, The Independence of America en 1776, las Guerras de Napoleón entre 1804-1815 y el desarrollo del capitalismo industrial en Inglaterra, y los desarrollos que ocurrieron en la mediocre política, social y económica, y los desarrollos que ocurrieron en el Bach y la casualidad económica perdieron gradualmente y las nuevas escuelas y formas y formas inevitables. Especialmente en el campo de Uvertur, Sinfonía y Concierto, se tomaron medidas revolucionarias. Hasta la revolución romana de Haydn, Mozart y Beethoven, los tilms de esta edad abordarían la edad de las torres de marfil alrededor de la escuela de Viena. La ‘flauta mágica’ de Mozart y las óperas ‘Fidelio’ de Beethoven representaron la forma y el carácter de la ópera de edad clásica.
Cuando llegó al siglo XIX, industrialización, mecanización, atmósfera catastrófica masajeada, no se mantuvo alejado de las condiciones actuales de la época, como un conjunto que había excedido la música clásica. Aquí, una tormenta que ha excedido mis emociones al borde de un acantilado, una tormenta y un monumento al caos: ¡Richard Wagner!
Todos los altibajos del idealismo alemán deberían estar en una estructura divina en Wagner. Con la ópera dramática y trágica mezclada con la historia, la leyenda y la mitología, la antítesis de todos los períodos, pero el siglo XIX en sí mismo Wagner. Dramas, oprime a la audiencia con entusiasmo y sacudida. Aquí, Tristan e Isolde, Nibelungen Ring, Lohengrin, Tanhauser ….
El otro contemporáneo y Weimar contemporáneo de Wagner, que es completamente contemporáneo y ópera, el representante romántico del piano Liszt ‘Rapsodisi’ es uno de los frutos de esta época. Del mismo modo, Wagner, junto con Wagner, y Von Weber, uno de los primeros románticos y el padre de la ópera alemana, fue absolutamente subestimada por la ópera ‘Der Freischütz’ de Von Weber, representada en Berlín en 1821.
La ópera italiana, que tiene una acumulación de alta gloria, apareció en paralelo con la escuela alemana en el siglo XIX. Aunque la ópera italiana perdió su superioridad ante la ópera francesa hacia fines del siglo XVIII, recuperó su antiguo éxito con Rossini a principios del siglo XIX.
Finalmente, es imposible pasar la etiqueta de Guiseppe Verdi, que es un artista vasto e ininterrumpido que dirige un caballo en los testigos de la escuela alemana del siglo XIX, desde el seno quemado de una nación que gime bajo la ocupación de Austria.
La nación italiana para él «il Vecchio» que significa ‘anciano’ ‘, este nombre, lo que significa que la composición de sus composiciones en la conciencia nacional y la conciencia en la mezcla en la fábrica.
Lo dio; Rossini, Bellini y Donizetti’nin, pero definitivamente fue el rival más importante de su Wagner contemporáneo, pero nunca la influencia de Wagner. Los libretos de las primeras óperas de Verdi se centran en sentimientos dolorosos y nacionales. La mayor tarea de su estilo de ópera es el poder de transformar situaciones dramáticas en una melodía muy elable. AIDA, OTello Otello y Falstaff Opas son los ejemplos más obvios de esto. Del mismo modo, Rigletto (1851), Trovatore (1853) y La Traviata (1953) fueron composiciones que permitieron a Veri Verdi ser famoso en todo el mundo. El notable fenómeno en estas obras se encuentra de la manera innovadora que Verdi trae a la ópera. Sus esfuerzos por agregar a la audiencia a la integridad de la palabra sonora-sahne-billestra radica en la preocupación de no perderse el estilo ‘teatral’ de la ópera. Por lo tanto, traté de dibujar un borrador de que Girizgah sobre el desarrollo de la ópera, las escuelas y los representantes antes de ingresar al anacronismo histórico. En el siguiente artículo, el desarrollo e institucionalización de la ópera en Türkiye Esmir Consideraré la impresión y el análisis de las compositoras femeninas organizadas en la ópera y el ballet estatales.
Amar …
